DADA post DADA di Picabia.

Dissociazione artistica

Dada vivrà per sempre! E grazie a questo, i concessionari saranno ricchi, i redattori si compreranno le automobili e gli autori avranno la Legione d’Onore.”

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Con queste parole  Picabia si licenziava dall’isterico dadaista concettuale Tristan Tzara nel 1921, capogruppo svizzero, uomo dalla rivoluzione dadaista permanente fino allo sterminio ultimo degli oppositori della sua immaginazione. Tristan Tzara covava il seme del nazismo e aveva bisogno dell’Arte come copertura per imporre la sua disciplina moderna.

 

 

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Dopo la “Grande Guerra”, Picabia aveva capito che gli anni 20 e 30  potevano procedere nel lusso, l’eleganza, la frivolezza; nella lussuria, nel ludico piacere della auto, musiche e danze; bei vestiti, la cocaina, le vacanze e che l’arte, se parte dal popolo, libero da meccanicismi perversi di potere. se la spassa vivamente, dissociandosi l’artista dagli impegni internazionali sempre più stressanti, sotto pressione per una guerra infinita che aveva decimato nel 18 la più bella gioventù di francia e d’europa.
Fancis Picabia aveva capito la luce della serenità, la quale, indora e argentea  ogni cosa e tutto ciò che tocca, che sfiora. Ma se i demoni contorcenti la vita altrui e fustigatori tra i  fumi delle officine belliche, caverne , trincee e fonderie, la  piantassero di costruire armi e metalli per uccidere, dirà: “meglio i giocattoli delle armi “, invitava a riconvertire l’industria per creare giocattoli, tessuti e accessori leggeri che ti aggraziano la vita. Quindi si perse in dissoluzioni veniali tra le braccia delle più belle sfrenate e sfrontate ragazze  allegre, o signore seducenti profumate, tornado in arte al figurativo prediligendo quello femminile.  L’Industria oramai poteva generare benessere per tutti

Tornò a rivalutare i volti, le grazie femminili. Era poeta d’animo e ricco. Che importava a lui di conquistare il mondo quando le macchine e gli elettrodomestici avevano già conquistato tutti gli esseri umani. Bisognava solamente produrli.

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L’arte”, ha affermato una volta, “è più costosa delle salsicce, più costosa delle donne”

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Picabia fu ripreso più volte dai suoi superiori e dalle Avanguardie. Riportato all’ordine, alla trama eversiva  permanente, gli bastava un bel sorriso e l’allegria gentile che subito svalvolva: DADA DADA DADA DADA DADA 


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DADA

Arte: La Rosa dei Venti… e i Rosacroce.

“ROSE is rose, is rose is rose…”

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All’inizio del 1900, mentre le due scoperte, il Telefono e Telegrafo avanzavano prepotentemente dando il loro immediato risultato in benessere alla società americana, modernizzandola, una altro elevato Genio nato a Milan (Ohio-USA), inventore del Fonofrago – primo linguaggio sonoro saturnide – darà alla Luce: Edison.
Thomas Alva Edison: affiliato alla grande organizzazione segreta ebraica accentratrice di novità, che grazie al suo ingenio e capacità di generare e adunare a se più di 1000 scoperte ed invenzioni, diventerà per la storia fantastica del genio umano una delle stelle più scintillanti della cosmogonia industriale.

Avvallato il meccanismo perenne delle invenzioni continue, il secolo Novecento si aprirà all’insegna dei Monopoli, segrete organizzazioni affaristiche, e che tali resteranno per tutto il secolo e in  poi. Queste, ambiscono a diventare – con le buone o con le cattive – i Governatori del Mondo. Nasceranno come piccoli gruppi omogenei e sempre tali resteranno al vertice o assecondo del potere acquisito. Le lobby Multinazionali  si formeranno in Ministeri antigovernativi che si  aggireranno  come ombre furtive e invisibili rispetto ai cavalierati  Statali e ufficiali. Nessuno deve sapere chi sono e come agiscono, se non i comandanti stessi delle Lobby o i loro fidi sottufficiali, futuri eredi legittimi alla successione di Morte. Proprio perché questo popolo non ebbe Patria nel mondo, si aggirava indisturbato in quanto, i fedeli, erano “agenti” perennemente in servizio e a vita. Unico segno di riconoscimento nei maschi: la Circoncisione.

Eccolo il segno divino di Saturno contaminato con Crono: il prepuzio reciso, la castrazione, l’anello circolare di fede, la falce di Vita/Morte che miete, il RE/cidere i sovrani; l’accerchiamento,  la circospezione, la circolazione di dati; la circumnavigazione di isole econtinenti, il nascondere i propri figli nel ventre delle nazioni (Arca), il Re-ccidio dei propri figli  traditori ecc . Eccolo il Grande Ventre apparire come “Arca dell’Alleanza” e, gli Alleati dopo il ’45, alla nascita della Nato, saranno i primi ad essere presentati ufficialmente come “eletti pubblici” pronti per ulteriori  battaglie tra Titani e Giganti alla conquista finale del pianeta e Universo.

Nel 1905 apparve tra i belligeranti la prima Stella Bianca americana dell’Alleanza in armi, madre della futura Nato fondata il 4 aprile 1949.

Il Monopolio economico per l conquista dell’Arte europea atta alla manipolazone delle coscienze fu affidato dai monopolisti del cotone e acciai alle signorine:  Gertrude Stein e Alice Babette Toklas. Esse aduneranno e finanzieranno gli insurezionalisti i reduci di Russia e gli intelletuali squttirnati il vista del mutamento politico europeo da stati Monarchici a stati assogettati ai regimi paramilitari in vista della programmata invasione e conquista della Russia. La scienza rosacrociana degli stati nazifascisti europei sconfitti, verranno trasferiti in massa nelle strutture di intelligents, scientifiche, industriali e militari d’America e colonie sparse aumentando il patrimonio politico della Nato.

 

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foto: 1949 Consiglio Superiore NATO: “La rosa dei Venti” … rose, is rose, is rose, is rose


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Picasso: Ordine della PIPA 1/2

Picasso e il Capitale (1 di 2)

ORDINE DELLA PIPA

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Per mettere in piedi la tresca nell’arte che ci porterà al Collezionismo Capitale odierno, bisognava attivare un meccanismo “promozionale” o pubblicitario  di vendita in perdita di notevoli proporzio-ni.  Picasso e bande, si avvalsero degli introiti e da riciclare avuti dal contrabbando spagnolo di confine con la Francia, meccanismo brigante nel quale tessere proficue alleanze fino  a impadronir-sene della intera rete gestendola per anni.
Come simbolo di appartenenza ad una cosca piuttosto che un altra, la Pipa divenne il simbolo di appartenenza alla cosca contrabbandiera dei Cubisti.

La storia della “Pipa” come di altri oggetti di appartenenza simbolica per altre cosche malavitose spagnole, era una tradizione tutta spagnola e che, Alice Toklas accennerà questa simbologia nelle sue “Autobiografie” scritte agli albori durante una visita guidata da Picasso in Spagna.

La tradizionale simbologia oggettuali di appartenenza a cosche, non verranno accennate ne da Alice e nemmeno da Gertrude nelle visite  guidate da Pablo Picasso in Italia verso il mezzogiorno che dii simbologie malavitose e di cosca, abbonda assai. Ma una traccia indelebile  presentata “distrattamente” da Alice ci daranno modo di capire anche  le motivazione di quelle visite: I “Balletti”
Alice Toklas ci darà un altra traccia significativa quando ci narra di Marcel Duchamp che presentò a Gertrude Stein piu avanti il pittore italiano Giuseppe Stella, anche lui ebreo e figlio di “Notai” come Duchamp, come molti altri capi delle Avanguardie, ma  almeno    Jo Stella da buon italiano, dipingere sapeva dipingere e anche bene, ma non sarà quella la sua arte di edificatore di “Quadri”.

Quando il Cubismo, come organizzazione eversiva anteguerra attraversò un momento difficile e  critico, con una rapida  metamorfosi politica Picasso farà sparire le proprie tracce in vista proprio della prima Guerra Mondiale. Lo scettro della Pipa passerà per volere della grande Finanza americana (Gertrude) al Surrealista Salvador Dalì, e successivamente, a Renè Magritte in quanto Dalì si rivelerà non essere all’altezza come solido  organizzatore di “Quadri”

La Pipa merita una nota dedicata, sia come ‘oggetto’ di riconoscimento d’appartenenza alla cosca designata e sia come simbolo riconoscimento a Picasso quale “Capo Pipa”.

 

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Questo “quadro” surrealista di Renè Magritte che gli da il titolo “Questa non è una pipa”  nella Storia dell’Arte è stato ed è ancora  oggi un rompicapo intellettuale diventando, il capolavoro capostipite delle correnti “Concettuali” dagli anni ’50 in poi, e che, per quello enigma, scatenò una serie infinita di “opere” facsimili a riferimento per quella frase  enigmatica fuori luogo nella  concettualità surrealista informale, frase  introdotta per altri motivi nella immagine in questione, ma adulata dai discendenti artisti concettuali, diventando quel quadro la pietra miliare della concettualità in Arte Concettuale. Per quel quadro 2campione” sii sono scritti fiumi e fiumi di parole sante e immacolate, osannandolo, divinizzandolo per diverse generazioni di artisti mondiali.

PIPA: voce del verbo pipare.

Io pipo
Tu pipi
Egli pipa
Noi pipiamo
Voi pipate
Essi pipano.

Pipare cosa?
Hascisc, Oppio, Fumo, Polvere, Funghi o che altro?

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A me spiace scoperchiare questa pentola del Diavolo che ha dato origine a una serie interminabili di problemi sociali in occidente; ma il nesso tra Droghe-Arte, Droghe-Economia, Droghe-Religione, Droghe-Guerra, Droghe-Politica, Droghe-Medicina, Droghe-Psicologia o altro, ci porta a scoprire che i fornitori di cocaina agli eserciti durante la guerra del 1914/18 saranno agenti malavitosi infiltratisi nell’Arte, quindi  non facili da scoprire perché muniti di un tacito passaporto speciale  della Cultura, scoprendo  che l’Arte è l’unico archivio umano nel quale inconsciamente o consciamente gli artisti  hanno riversato le bugie nascoste, e, ogni opera moderna delle Avanguardie , se tali  le vogliamo chiamare, velano e svelano reati contro l’uomo e la sua storia infinita.

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Il soggetto  Pipa fu un tema molto ripetuto da Picasso in quanto, tutti coloro che facevano parte della vasta rete organizzativa dei Cubisti, se esibivano un quadro di Picasso a muro con quel tema, erano referenti di provato giuramento e “quadri logo” politici riconoscibili dal logo di fabbrica picassiano. Tale quadro doveva essere di proprietà e solo di esclusivamente pertinenza di un adepto giurato. Bastava un occhiata che subito tra gli adepti anche se sconosciuti si apriva un intesa caratteriale, politica, religiosa, affaristica e bellica. La Pipa picassiana era un lasciapassare alle attività segrete dell’organizzazione.

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Anche quando dipingiamo Martiri, Sante e Vergini; Condottieri, Imperatori eBattaglie; Rivoluzioni, Caduti di guerra o Lussurie; o un Cristo crocefisso, un Battista decapitato, un eroe sentenziato, è, perchè con l’Arte non si dimentica e l’Arte non vuole dimenticare, proteggendo l’opera dalle disavventure riportandoci alla mente i nostri reati anche se camuffati nell’intelletualismo onorato e di buona fede.

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Picasso che concetto aveva dell’Arte?

Solo produrre, produrre , produrre giornalmente “roba” in serie all’americana? Produrre  artigianalmente e poi industrialmente “Roba” da smerciare come Arte per accalappiandosi i pingui Mercati mondiali, da creare gia intrappolare in una rete invisibile formata da fidati e fratelli di fede? Organizzare insurrezionalismi per un mondo ancora da scoprire e quindi inventare e da creare quale modello monopolizzato dell’arte futura, certamente per lui era tutto questo e altro ancora nelle  grande rivoluzione capitalista del nuovo secolo . La Bellezza? Nulla centrava per lui, si era in piena rivoluzione industriale, guerra tra eserciti e nel pieno delle brutture umane, e culturali sotto shock  e tutto ciò si doveva vincere a tutti i costi. L’importante era inventare, conquistare , conquistare e inventare.

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Le rivoluzioni segrete quando sono imminenti non permettono riflessioni, tutto deve essere preordinato prima con scrupolosità maniacale, militare, per poi eseguile alla lettera. Le varianti vengono dettate durante le battaglie da strateghi e complottisti comodi a preordinare le nuove mosse. Picasso era un Militare e quindi dettava ordini ai Cubisti, ordini da eseguire  e bisogna farlo velocemente , in fretta, affinché  l’effetto sorpresa funzionasse.

Numero  20.000 opere catalogate, più altrettante in giro ancora da catalogare, quante opere fanno al giorno?Domanda legittima: Quanti dipendenti aveva Picasso? Chi erano i suoi agenti di riferimento in Europa e in America per la collocazione delle opere e per i finanziamenti illeciti se non la stessa Gertrude Stein il fratello LEO le acciaierie americane, i cotonifici e industrie belliche?
A reggere il gioco internazionale e in velocità ci vorrà un soggetto pragmatico come il tedesco Daniel-Heinrich Kahnweiler che gli starà vicino tutta la vita. Nel dopo guerra sarà il mercante d’arte suo dki riferimento e per tutti i cubisti in generale.

Forse è ciò che sostengo fin dal principio: le Avanguardie artistiche del ‘900, se indagate a fondo, aggredirono l’Arte, un Bene Comune atto  alla crescita spirituale  della società, maltrattandola  come una bestia o come fosse una “Cosa” qualsiasi da usare per fini egemonici non artistici.

Perché?

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Dora Maar: fotografa di talento, e non solo musa di Picasso! — donnenellastoria by Paola Chirico

L’articolo è riblogato da: donnenellastoria by Paola Chirico. L’articolo è da noi   segnalato perchè inerente ad una artista del novecento meritevole (fotografa) anche se, tutto sommato, non ha lasciato molto di se. Ciò è dovuto ad una circostanza interpretativa errata della critica che, all’affermazione della stessa Dora Maar: “Io non sono stata l’amante di Picasso. Lui era soltanto il mio padrone”. la frase è stata interpreta-ta erroneamente in senso schiavista e non sindacale, nel senso che, l’artista Dora Maar era una dipendente, aiutante di laboratorio e amministratrice della ditta di quadri e moda, la “Picasso Spa”. Il sospetto che pende sulle 20.000 opere di Picasso e di  altrettante non ancora catalogate, denotano che la “Pablo Picasso Art” era di fatto una Frabbrica e a tutti gli effetti con tanto di dipendenti aventi mansioni di: allievi, disegnatori,  pittori, scultori, ceramisti, decoratori, copisti, tipografi, littografi, ricercatori, critici e poeti, scrittori ecc. Insomma, non aveva niente di diverso dall’atelier del  noto stilista italiano Trussardi o di firme piu prestigiose a monte e in coda dell’Ata Moda.

Per rendere piu”psichica” la produzione artistico/cubista, ai dipendenti non mancavano le droghe ricreative e molti di questi diventarono  “dipendenti”, di cu, la stessa Dora Maar. Da qui nasce il disordine mentale delle mogli, amanti, concubine occasionali, non che, gli stessi dipendenti, e che, arrivati all’astinenza, per non subirte ulteriori umiliazioni personali o professionali si lascieranno moririe in diversi modi non prima di  essere passati attraverso l’esperienza della nascente branca medica :”La Psicologia” e “Psichiatria” responsabile anch’essa di tanta tossico dipendenza europea di quegli anni.

Al momento della rottura sindacale e forse sentimentale (Dora era molto belle e appetibile), nel dopoguerra, negli anni ’50, l’Industria dell’Arte aveva bisogno di materiale didattico e biografico sugli artisti del tempo, materiale inesorabilmente andato perso sotto le bombe della seconda guerra e quindi, si poteva reinventare tutto da capo a piacimento. Dora, consumata la relazione artistica o forse allontanata pert la presenza di una nuova giovane moglie di turno, decise per motivi propri, in vista di un eventuale “successo” imminen storico, di mettersi in proprio. Il mestiere lo conosceva, la curricula nella ditta Picasso era consolidata e quindi presentò al Mercato dell’Arte il suo stile “surrealista”  diversificandolo, elaborandolo alla ricerca di un suo stile inconfondibile. Apre un propio atelier  d’arte sfruttando l’onda favorevole del passato.

Dora Maar

Ma haimè, il “Padrone” delle ditta Picasso fu un poco di buono in passato e uomo dalle maniere brusche. Di Picasso stiamo per accennare al suo passato cancellato in gran parte, rifacendosi la plastica facciale con l’ideologia di sinistra. Ma quel passato non fu  completamente cancellato e quindi, per motivi d’orgoglio spagnolo o perchè particolarmente brutale lìartista, cercò di ostacolare non poco la signora Dora Maar. Forse aveva delle ragioni personali l’artista Picasso a minacciarla? Ogniuno in arte risponde del proprio operato e quindi, la  timorosa Dora Maara, ci lascia alcune foto che la ritraggono con la salopette operaia mentre dipinge  opere  di dubbia fattura picassiana.

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Come nella scrittura è possibile riconoscer un testo se scritto da una donna o da un uomo, in pittura è la stessa cosa. Nelle collezioni picassiane è facile riconoscere  il tratto pittorico artistico femminile da quello maschile, come quello copista da quello creativo. Ma poco importa al collezionista che compera una firma dell’artista e non l’opera. Questo la Maar lo imparerà a sue spese.
Foto: Doda Maar presenta una sua opera: in Ritratto di Alice Toklas, segretaria di Gertrude Stein e spia giudeo/americana in servizio in Francia. Alice Toklas è accreditata dell’Ufficio Anagrafe della California a falsificare i passaporti di agenti americani.


 

L’ARTICOLO linkato:

 

Dora e Picasso si incontrano nel 1936, lei ha 25 anni, lui di anni ne ha 54. Henriette Theodora Markovich (1907-1997) è arrivata da poco a Parigi da Buenos Aires, dove ha vissuto per anni, con la famiglia, padre architetto croato e madre francese. Lei è intelligente, colta, dotata di curiosità intellettuale ed è impegnata […]

Link: e’ consigliabile l’articolo completo di paola Chirico :
Dora Maar: fotografa di talento, e non solo musa di Picasso! — donnenellastoria by Paola Chirico


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Arte: Concetto e Idea

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Come già accennato nel capitolo sul duchampiano readymade: Underwood, ripartiamo dalla deduzione concettuale espressa per capire ciò che ha scatenato nell’Arte Moderna l’opera: Fontana.

 

Si sono scritti  volumi e volumi di parole e tante  mostre sull’operato dei readymade senza capire molto sul vero senso e significato, come ad esempio Fontana o la custodia dell’oggetto smarrito della ditta americana di macchine da scrivere Underwood come se questa fosse scomparsa sul cavalletto espositivo in galleria.

Dall’opera “Fontana” in poi, i readymade di Marcel Duchamp divennero un delizioso appuntamento d’Arte Moderna dilettando come un tormentone estivo i critici di tutto il mondo nel favorire le migliori interpretazioni artistiche o critica nel parlare di un artista come Duchamp che, pur vivente, restava praticamente muto o assente alle domande inquirenti, oppure, evasivo, il quale, doveva tacere assolutamente per sviare l’attenzione per non far trapelare nulla sulle ingerenze militari del suo Stato Maggiore ai danni di altri stati minori e cominità.

L’artista Marcel Duchamp fu tanto menzionato e chiacchierato nella storia delle Avanguardie che se ne parla ancora oggi a cento anni e più dai suoi primi readymade. Se ne deduce oggi nuove versioni e interpretazioni immaginarie.
Sulla base di tanti errori aconcettuali d’Arte inscritti ingenuammente nella Storia dell’Arte, la critica, senza volerlo, ha partorito nuovi filoni creativi d’Arte/progettuale per cui, ogni artista/progettista tende a creare un brevetto artistico proprio, commerciale o concettuale che sia, spingendo  tanti nuovi artisti disciplinati al Concetto verso un nuovo modo di fare Arte. Il nuovo sul nuovo del nuovo, diventa la regola principale di chi vuol fare arte concettuale e, per non ripetersri o sbagliare, deve restare sempre informato sull’operato mondiale di tutti gli artisti del settore. Insomma, l’arte concettuale diventa una condanna a vita per l’artista alla ricerca di un Record che non raggiungerà mai, morendo nel dubbio.

Prima di ciò, la concettualità era imposta su dettato dei Dogmi Santi, in quanto, la religione, essendo una Ragion di Stato e quindi economicamente fonti generative di danaro, sia esso privato o pubblico, commissionava agli artisti  la rappresentazione dei Dogmi sotto forma di immagine, ciò  al fine di erudire i propri fedeli analfabeti attraverso forme scultoree e  pittoriche e musicali e poetiche o  geometriche ecc.  (Muse d’Arte),tutto ciò per diffondere i Dogmi santi. Dio aveva preso corpo e il corpo doveva regnare sugli altari come da dio creato (nudo).
Tutto doveva restare immobile e tradizionale nelle opere dell’Uomo dedicate a Dio. Pe rdogma l’Uomo doveva amnistrare il creato ma non Creare. Creare per l’ uomo era un peccato di vanità, blasfem, eretico. Bisognava disobbedire per uscire dalle stagnazioni millenarie religiose e per fare ciò, la concettualità doveva liberarsi della forma.

La Concettualità è cosi sintetizzabile: “Mettendo insieme i <concetti non definiti> con gli <enunciati non dimostrati> si ottiene il fondamento di un sistema deduttivo, “punto di partenza” da cui ricavare tutti gli altri teoremi e concetti.”

Se questa è la nuova legge universale del Concetto, dove l’oggetto enunciato  e non definito o non definibile in quanto smaterializzato, svanisce dal contesto dell’arte ciò che “materialmente” la rappresenta, però la domanda creatrice resta sempre la medesima : “Cos’è l’Arte?” .

Si deduce che:
l‘Arte è un Concetto senza Oggetto e quindi è la rappresentazione di una Idea.

La filosofia di materializzare una idea, oggi non ha più bisogno di nuovi rappresenti in quanto, l’Illuminismo ci ha dato delle riflessioni confezionate talmente ben atte che, una volta applicate al lavoro progettuale e produttivo hanno generato straordinarie e potenti industrie delle mille idee concrete, ma in Arte, persiste quel vuoto generativo sconosciuto che da impulsi dominanti alla creazione del nuovo, anche all’ultimo artista pervenuto sul pianeta, quindi: Creare e Generare in arte sono due discipline apparentemente dissimili  ma nello stesso tempo: interdipendenti unite.

A causa delle mille domande e mille risposte che gli enigmi readymadeiani ponevano, questi hanno scatenato scenari Patafisici persistenti alla ricerca continua e costante di un Arte senza oggetto e quindi, la capacità di attivare l’immaginazione come processo creativo dando più risposte patafisiche diversificate e contemporanee. La Patafisica fu adottatta quale insegnamento  per la costituzione di designers capaci di creare  nuove forme avvenieristiche.

Nel novecentodieci la giovane Arte Moderna Patafisiica attacca di petto l’Arte Classica Metafisica vincendola. L’Arte Moderna, essendo stata generata da monoteisti ananimati (privi di anima), preferì come territorio di scontro la sconosciuta Patafisica, terreno vergine a lei idonea e quindi, la non rappresentatività del corpo teologico a favore di  COSE immaginarie, diventa la manifestazioni d’Arte vincente nel XX° secolo. Essa invaderà tutti i settori produttivi dell’industria, editoria, animazione, danza , teatro, musica ecc fino alla creatività impulsiva della Guerra, (officine)  generando prodotti bellici di squisita fattura distruttiiva atti allo sterminio di masse, oggetti  capaci di uccidere a distanza i  corpi umani ritenuti appunto tali, perchè privati di anima.

Le meditazioni concettuali in terrazza o a passeggio tra Duchamp e Picasso erano su questa natura di interpretazione della macchina pensante, capace di scatenare nuove  idee belliche, in uno ed estetiche nell’altro in vista della “rivoluzione mondiale”, apprese Picasso da Marcel  Duchamp i principi fondamentali della Patafisica. Marcello Duchamp. recise il cordone ombelicale di Picasso quanto l’istruzione politico/artistica spagnola nel cubismo ebbe termine. Ritenuta questa Sezione Artistica (d’Oro) arruolata al processo geopolitco in fase di allestimento, Pablo Picasso, promosso in campo con un alto grado di Ufficiale dell’Alleanza, in cambio garantirà a Duchamp il porto di Roses in provincia di barcellona, per le operazioni di sbarco di uomini e merce clandestina proveniente dall’America. Duchamp  proseguirà il suo viaggio di istruttore militare incontrando i Futuristi italiani attirando la sua attenzione in quanto, sul loro primo manifesto si accennava la “profezia ” di una Opera d’Arte straordinaria, un capolavoro ; il “Sole in Terra” che si rivelerà risolutrice al termine della Seconda Guerra Mondiale. Dopo i primi contatti, Duchamp in Italia si assicurava una rete informativa universitaria di alta affidabilità seguita direttamente dal Fratello maggiore della Gertrude Stein, il quale avrà in Italia la sua seconda residenza permanente seguendo da vicino l’ascesa del Fascismno. Il viaggio di Marcel  Duchamp proseguirà per la fondazione, organizzazzione dei giovani militanti artisti da educare alla Patafisica: i DADA.


Dirà in merito il fondatore di tale pensero, lo scrittore francese Alfred Jarry:

  «Profeticamente ammiccante [la sua] scrittura energica, lucida, dirompente […] affida la funzione simbolica agli oggetti più triviali, la dinamica teatrale ai sussulti farseschi più corrivi e sbrigativi»

Patafisica: scienza delle soluzioni immaginarie.

Io e le sue vacche (Je et ses vaches) è un racconto breve scritto da Alfred Jarry nel 1894. L’opera è da alcuni considerata un manifesto ante litteram del teatro surreale francese. Il testo compare per la prima volta nella raccolta di testi Visions actuelles et futures (1894).


Secondo Marcel Duchamp, le Avanguardie del novecento, nelle operazione di distruzione dell’Arte Classica erano impegnate militarmente anche alla distruzione di tutto ciò che il vecchio mondo aveva costruito a propria immagine e somiglianza di  Metafisico (chiese, templi e monumenti). Per le Avanguardie quel vecchio mondo andava distrutto senza sentire rimorsi, ed edificare dalle sue ceneri il Nuovo Mondo. Ciò sarebbe stato possibile solo se la mente  dell’artista e i partecipanti dirigenti fossero istruiti alla  Patafisica.

Lo stesso Picasso dichiarerà alla G. Stein e Alice T. interdette davanti a due bruttissimi quadri in esposizione,  che non essendoci nulla di più nuovo dei suoi, il pubblico si sarebbe abbituato alle sue brutture. Le opere cubiste più belle, le avrebbero fatte i suoi seguaci perchè non dovendo fare nessuno sforzo mentale per inventare qualcosa di nuovo, le loro opere sarebbero state il Nuovo brutto abbellito perchè ispirati da suo  Nuovo.
Al Pubblico diceva Picasso, quando gli si presenta il Nuovo non deve avere scelte, altrimenti preferisce il vecchio. Su questo principio, essendo possessori del Nuovo e degli spazi espositivi, le Avanguardie potevano imporre tutto ciò che volevano.
Il Brutto era l’Idea  primordiale, primitiva, da qui la caccia a tutto cio che in arte rappresentasse il primitivo e imitandolo come il Nuovo che avanzava. Altri arttisti  lo seguiranno nell’imppresa in quanto il primitivo era  stato sdistrutto dalle Belle Arti e quindi sconosciuto al pubblico.

“Tutti i grandi imperi cadono sotto l’avanzare del primitivo”

Da quel giorno l’Arte Moderna assunse il ruolo concettuale di IDEA, e per le Mostre, le esposizioni e i cataloghi d’Arte fu un susseguirsi di elaborazioni ideali, rappresentazioni ideali, supposizioni ideali, forme ideali  e via e via a seguire. La dialettica in Arte, vinse la battaglia sull‘immagine. La parola prese il posto del colore, i monoteisti ebbero la meglio, ma, divenuti monopolio dell’Arte rischiano oggi di ritrovarsi non solo senza immagini, ma anche senza parole scritte che spieghino a parole le Parole inesistenti come verbo. Rischiano che la trappola scatti con dentro loro.

Anafunzionali, per nutrire orde e orde barbare di  analfabeti/funzionali che passano migliaia di ore della loro esistenza davanti al “quadro dei quadri”, la macchina dei sogni perfetti, l’uomo è  alla divinizzazione del proprio simile fattosi Divo, divino. L’immagine diventa il vecchio simulacro statico (scrittura) in movimento nella filmologia.

Nella concettualità in Arte resta il dogma : “Non è l’Opera che conta ma l’Idea.”


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Fanes Dio Serpente pagano, cosi lo
narravano  i poeti greci:

“Si poteva dalla Luce esserre invasi
da distinte figure dalle squame radianti
la luce emanata dal proprio ventre
nascondeva tra i gas chi le promanava”

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Zeus il lampo, presolo per la coda lo accese.


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Duchamp: Rose Selavy

Rebus: Dalì a qui e Rose Sèlavy…

Teeny, Gala, l’ospite infimo è arrivato guardate!
Sventola dell’Arte la bandiera mai ammainata
Gli abbiamo promesso Roses e RRoses ha avuto.

Dal Porto sulla via dei roseti arriva a Cadaquès

pervenuto con spezie, droghe e fumi di indios
liberate le bianche colombe, sollevatele dall’incarico,
e sulla carrettiera andiamogli incontro cantando:

Quando mi prende tra le sue braccia 
Mi parla sottovoce, io godo la via in Roses
Lui mi parla con amour, parole d’ogni journ..”

…”Mon cœur qui bat”

La la, la la, la la
La la, la la, la  la
La la la la la la laaaa

 

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Porto ROSES e via Roses (Carrettiera Roses per Cadaquès)

Cadaques è il paese di nascita di Salvador Dalì il quale cede una casetta per la residenza estiva a Marcel Duchamp che la terrà per anni. Salvador Dalì si sposterà poco più in la in  Figueres.

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Il Triangolo d’oro comincia a formarsi come anche la “Sezione Aurea” o Sesion d’Or.
Dipartimento para/militare delle Avanguardie franco/spagnole.

 

Maestro: “Scacco al Re

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la partita continua ….”A Lei la mossa”


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G. Stein: il Potere della Lingua.

All’ombra delle Piramidi (1/2)

 

G. Stein: “A incominciare in un posto si finisce sempre in un altro.”

Narrava un  giovane egiziano a Parigi a Gertrude Stein…

1913: “C’erano due lingue in Egitto, la lingua corrente e la lingua parlata; poi venne la lingua francese. Tre lingue.
Le due lingue egiziane, per quanto la mia famiglia fosse egiziana fin dall’inizio dei tempi, parlava spesso francese. A poco a poco la due lingue egiziane le spensero del tutto: la madre lingua e l’altra.”

M13: “Spiegati meglio”

1913: “Gli egiziani in passato avevano solo una lingua, vale a dire, nella vita quotidiana tutti usavano soltanto un po’ di quella lingua antica ed era in possesso di chiunque. Ma quando erano innamorati o parlavano ai cavalli o erano commossi o narravano storie, allora parlavano in quella diversa lingua “esaltata e fantasiosa” che adesso è diventata una lingua solamente scritta, e poiché oggi, di questi tempi, gli egiziani non si esaltano più nel parlare e adoperano sempre una lingua quotidiana comune a tutti, noi egiziani siamo finiti col dimenticare la lingua dell’esaltazione diventata buona solo per la scrittura e mai più parlata nelle enfasi d’amore.” Così narrava la spia egiziana al Superiore Francese.

 

M13: È molto interessante”  disse la spia americana al giovane egizio ambedue dal pessimo francese:

M13 Ribatté: “Invece l’inglese ha fatto tutto il contrario. Ha sempre cercato di scrivere come si parla, ed è soltanto da poco che, quella lingua scritta non interessa più a nessuno, e non si può più fare nulla o scrivere come si parlava un tempo, perché non lo fa più nessuno.
Oggi invece, tutti parlano come i giornali, i cinematografi e le radio che insegnano a non parlare la lingua parlata di un tempo perché non è più interessante. E così, a poco a poco, la lingua scritta dice qualcosa, e lo dice in modo diverso dalla vecchia lingua parlata. La nuova lingua scritta ci ha modificati.

Riflette M13: Mi interessava molto quel che dicevo via via che lo esprimevo, ed è molto importante, specie ora; così arriveremo presto a una lingua scritta che è più un inglese a se.

Occhio di Horus

Sono pochi gli egiziani
Che sanno parlare innamorati,
Sono pochi gli egiziani
Che sanno parlare ai cavalli,
Sono pochi gli egiziani
Che sanno amare la Storia ecc

Meditava ancora: “A incominciare in un posto si finisce sempre in un altro.”

Vedi l’impresa di Lee Miller in Egitto


un-giovanissimo-james-laughlin-minSei anni dopo, nella primavera/estate del 1934 a fare da chauffeur della Ford, incluso il servizio di cambio gomme a terra, per un giro nella Francia meridionale di Gertrude Stein e della compagna sua Alice B. Toklas, nonché da press agent per un tour di conferenze che la Stein avrebbe dovuto fare negli Stati Uniti, è un diciannovenne spettacolarmente alto, atletico, incredibilmente bello, coltissimo e poliglotta e, soprattutto, ricchissimo di nome James Laughlin (1914-1997). James è di Pittsburg, come Gertrude, ed è uno degli eredi della Jones and Laughlin Steel Company, la quarta acciaieria degli USA fondata dall’omonimo bisnonno di origini irlandesi nel 1824. Da qui il sopranome dinastico di: James Laughlin IV°. Pittsburg: Piramide del Mondo.


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Incontro con Ezra Pound

Poco tempo dopo, il superlativo James, che aveva interrotto gli studi ad Harvard (2° anno di medicina…) per il suo viaggio in Europa, scrisse a Ezra Pound chiedendo se poteva vederlo e, con sua sorpresa, il poeta gli rispose: Visibility High, visibilità alta. Cominciò così quella che Laughlin chiamò l’immatricolazione alla “Ezuniversity” (Università Ezra Pound) , un corso informale e intensivo di sei mesi su letteratura e storia che di solito consisteva in conversazioni o al ristorante dell’Albergo Rapallo di fronte al mare o durante le nuotate nel golfo del Tigullio o nel corso di tirate partite di tennis. James aspirava di diventare poeta e voleva da Pound un parere sulla sua scrittura, ma, alla fine del suo soggiorno, Pound, scettico sulle sue qualità letterarie, lo consigliò «di fare qualcosa di utile» dedicandosi all’editoria più che alla poesia.

James Laughlin IV° quell’incarico accettò svolgendolo col tempo e brillantemente.

Nel 1936, conseguita la laurea in latino e italiano ad Harvard, usò il denaro di famiglia per fondare, a soli 22 anni, la casa editrice New Directions, cominciando a pubblicare (dei fratelli di fede), non solo la Stein e Ezra Pound, ma anche E.E. Cummings, William Carlos Williams, Elizabeth Bishop e Henry Miller. Alla laurea, per la sua start up, come si dice oggi, il padre – come casualmente si menzionò in un’intervista – gli diede 100 mila Dollari pari a 100 anni di stipendio medio alto (nel ’36 il reddito di una famiglia della media borghesia americana era di 2 mila dollari annui).

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Anche James Laughlin IV° da buon giovane “egiziano” costruttore di “piramidi” dirà: «Il mondo è in crisi, e il linguaggio è allo stesso tempo la causa e la cura».

James, “mezzo medico” impegnerà per tutta la vita il suo capitale e altro di guadagnato nel promuovere ad Harward letterati di fede insegnanti, capaci di diffondere il modificato senso delle parole dette, favorendo le scritture della sua scuderia New Directions sostituendo con altri diversi sensi quelli generalmente parlati.

Tra i nomi, solo per citarne alcuni: Tennessee Williams, Randall Jarrell, John Berryman, Karl Shaphiro, Jean Garrigue, John Frederick Nims, Paul Goodman, Eve Merriam, Djuna Barnes.

La lista degli autori di fede nel corso dei decenni successivi si fece davvero impressionante. Fu Laughlin IV° a pubblicare George Oppen, Carl Rakosi, Delmore Schwartz, John Hawkes, Charles Reznikoff, Lawrence Ferlinghetti, Paul Bowles, Robert Creely, Gregory Corso, Gary Snyder, Kenneth Rexton, Denise Levertov, Thomas Merton, Edward Dahlberg e Robert Duncan, ma anche a ristampare Henry James, E.M. Forster, Ronald Firbank, William Faulkner ed Evelyn Waug….

Anche questa è Storia dell’Arte.


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